On soutient maintenant que le surréalisme n'est plus un mouvement artistique - c'est une attitude. De Dalí et Schiaparelli à Björk et Lady Gaga, Beverley D'Silva explore un monde onirique fantastique et troublant.
Des horloges fondantes drapent les arbres ; des hommes en chapeaux melon flottent dans le ciel ; un œil désincarné revient d'une assiette de soupe… Dérangeant, déplacé, onirique - le langage visuel du surréalisme est maintenant si normal que "être surréaliste" peut être un raccourci pour tout ce qui est étrange, irréel ou faire allusion aux recoins plus profonds et plus sombres de l'esprit humain.
Le surréalisme a commencé comme un mouvement littéraire à Paris, en 1924, lorsque l'écrivain André Breton a créé son premier manifeste - il l'a qualifié de "pur automatisme psychique" - et il a été façonné par la poésie symboliste et le dadaïsme, dont les "anti-œuvres d'art" ont défié la raison.
Il a rapidement été adopté par de grands artistes tels que Max Ernst, Hans Arp, Salvador Dalí, Joan Miró et René Magritte, qui réagissaient aux horreurs de la Première Guerre mondiale et à la dévastation de la pandémie de grippe de 1918.
Le groupe a également été fortement influencé par les travaux du neurologue autrichien Sigmund Freud, dont les théories sur le subconscient et le sous-texte caché des rêves leur ont fourni une riche matière. Les obsessions, le hasard et l'irrationnel faisaient partie intégrante de leur nouvelle réalité artistique, dans laquelle le familier est troublant et un monde en désintégration prend une lumière onirique.
La peinture, le dessin et la sculpture étaient leurs principaux médias, mais dans les années 1930, le surréalisme s'est mis au lit avec un design qui englobe également les objets. De la mode au mobilier, du graphisme à la photographie, avec des magazines comme Harper's Bazaar et Vogue invitant Dalí et Giorgio De Chirico à créer des couvertures avec une touche surréaliste.
Il en a été de même pour le théâtre, le cinéma et la danse, notamment les costumes et les décors de ballet commandés en 1932 par le directeur du ballet russe Sergei Diaghilev et habilement exécutés par Max Ernst et Joan Miró.
En fait, la passion du surréalisme pour le design n'a jamais faibli, comme le montre une exposition au Design Museum de Londres, Objects of Desire : Surrealism and Design 1924 to Today . Sa conservatrice, Kathryn Johnson, a déclaré à BBC Culture : "Si vous pensez que le surréalisme s'est éteint dans les années 1960, détrompez-vous… Il est bel et bien vivant et n'a jamais vraiment disparu."
Le surréaliste semble juste hors de portée, mais son impact émotionnel est viscéral et parfois même urgent - Daniel Roseberry
Elle établit des parallèles entre la réaction du mouvement artistique d'avant-garde original à la guerre et à la maladie, et les artistes au travail ces dernières années, "lorsque, dans le contexte d'un changement technologique vertigineux, de la guerre et d'une autre pandémie mondiale, l'esprit du surréalisme se sent plus vivant que jamais dans l'art contemporain". conception".
Pour voir comment cet esprit a puissamment inspiré les créatifs, ne cherchez pas plus loin qu'Elsa Schiaparelli, actuellement célébrée dans une exposition au Musée des Arts Décoratifs de Paris. La créatrice de mode aristo italienne a commencé son empire de haute couture, la Maison Schiaparelli, en 1927, et s'est associée à Dalí pour co-créer des designs absurdes et provocateurs.
Leur Shoe hat (1937-8), un escarpin à l'envers avec un talon dans le rose choquant signature de Schiaparelli, a été fabriqué pour la femme de Dalí, Gala. Ils ont concocté une robe de homard pour la mondaine américaine Wallis Simpson, alors duchesse de Windsor. Les images en trompe-l'œil de Schiaparelli, comme le tissu de sa robe, imprimé de déchirures, préfiguraient le punk par quatre décennies, et le galeriste surréaliste Julien Levi croyaitelle était la seule créatrice de mode à interpréter avec succès le surréalisme.
Avance rapide de près d'un siècle, jusqu'à la relance de la Maison Schiaparelli en 2018 en grande pompe par son nouveau directeur créatif, Daniel Roseberry. "Je veux être la maison de couture alternative", a-t-il déclaré , "la destination vraiment alternative pour un luxe surréaliste et tordu."
Roseberry a décrit la relation du surréalisme avec le design comme "quelque part entre la fantaisie et la réalité… l'obscurité et la lumière… Le surréaliste semble juste hors de portée, mais son impact émotionnel est viscéral et parfois même urgent". Il a habillé Lady Gaga d'une jupe à tête de pavot Schiaparelli et d'une broche en forme de colombe dorée – toutes deux extrêmement surdimensionnées – pour chanter lors de l'investiture du président Biden.
Il a pillé les archives Schiaparelli pour de nouvelles collections; la robe rose Look 6 Haute Couture (présentée dans l'exposition Objets du désir) est rembourrée pour un look étrangement musclé. Les vêtements et les sacs portent des nez, des seins, des paupières, des oreilles et des bouches désincarnés, certains inspirés d'un mannequin Schiaparelli des années 1930 exposé dans sa boutique parisienne.
Les parties du corps désincarnées sont un motif récurrent du surréalisme, qui reflète les préoccupations des premiers artistes, estime Caroline Elenowitz-Hess, historienne de la mode basée à New York. "Les surréalistes comme Man Ray et André Masson s'intéressaient aux mannequins, des objets qui se trouvent dans une position inconfortable entre l'humain et le non-humain", a-t-elle déclaré à BBC Culture.
"L'intersection du design et du surréalisme repose souvent sur un sens de l'étrangeté du corps humain ou sur une juxtaposition d'images ou d'objets qui fait que les deux semblent inconnus", dit-elle, soulignant une "dissonance cognitive" vécue lorsque les hommes sont revenus de la guerre mondiale. L'un avec des blessures graves, mentales et physiques, qui ont conduit à un boom des prothèses.
"Alors qu'elles étaient une nécessité pratique pour de nombreux soldats blessés, les prothèses rendaient visible la façon dont les lignes entre l'homme et l'objet pouvaient devenir floues…" Elle fait référence à Prada, la marque de créateurs qui a "expérimenté la fabrication de vêtements qui brouillent les lignes entre le corps et les vêtements". avec leurs pulls 'breast' dans la collection printemps/été 2022."
Des choses étranges
Un brouillage des lignes peut être vu dans Kosmos in Blue de la créatrice de mode nigériane Yasmina Atta, 2020, un torse sans tête métamorphosé dont les ailes en cuir battent de façon inattendue, inspiré des films afrosurréalistes, de la compositrice Alice Coltrane et de la divinité africaine Mami Wata.
C'est une pièce étonnante parmi les 350 œuvres d'art d'Objets du désir, qui présente également les objets attendus et les plus fêtés, comme une réplique de 1963 de The Gift de Man Ray, une réplique de 1963 de son fer plat de 1921 parsemé de clous qui déchireraient n'importe quel vêtements en lambeaux, et sa photo d'art Le Violon Ingres (1924), modèle au dos galbé de Kiki de Montparnasse, sculpté de notes de musique.
J'essaie de créer des choses fantastiques, des choses magiques, comme dans un rêve. Le monde a besoin de plus de fantaisie – Salvador Dalí
Et bien sûr, il y a les nombreux dessins de Dalí, qui disait en 1940 : "J'essaie de créer des choses fantastiques, des choses magiques, comme dans un rêve. Le monde a besoin de plus de fantaisie". Il a fourni cela dans son deuxième partenariat de conception fructueux (après Schiaparelli) avec le mécène millionnaire de l'art surréaliste Edward James.
Dans les années 1930, ils ont créé leur canapé à lèvres Mae West, Lobster Telephone et Cat's Cradle Hands Chair. Ceux-ci ont tous résidé pendant un certain temps dans le manoir de James dans le Sussex, Monkton House, considéré comme l'intérieur surréaliste le plus complet.
Pour voir l'interdépendance du mouvement en jeu, considérons une peinture comme The Old Maids, 1947, de Leonora Carrington, ses figures spectrales déformées par une perspective étrange, aux côtés des vidéos de Björk pour des chansons telles que Mutual Core, 2011, Hidden Place, 2001 - dans lesquelles des des formes de serpent envahissent son visage – et plus récemment Atopos de cette année, réalisé par Viðar Logi .
Il y a aussi le portrait saisissant de Tim Walker de Tilda Swinton , avec une broche à lèvres Vicki Beamon serrée entre ses dents et des serres acérées comme des rasoirs; prise en 2013 dans le domaine au Mexique qui appartenait autrefois à Edward James, elle nous fait boucler la boucle avec style sinon le temps.
"Le surréalisme n'est plus un mouvement artistique mais une attitude envers l'art et le design", explique Mateo Kries, directeur du Vitra Design Museum, Allemagne, réceptacle de nombreuses œuvres d'art surréalistes parmi les plus importantes.
Cette attitude est clairement à l'œuvre dans l'exposition Strange Clay , à la Hayward Gallery de Londres. Parmi les artistes contemporains utilisant « l'argile de manière inattendue », on trouve David Zink Yi, dont le calmar extraterrestre géant (2010) s'étale dans une mare d'encre brillante ; les créatures couleur bonbon ressemblant à des yétis de l'artiste japonais Takuro Kuwata ; et la cuisine de Lindsey Mendick infestée de limaces et de cafards en céramique.
Voir la scène botanique de Klara Kristalova, Camouflage, qui y est installée, c'est comme se promener dans la clairière d'un conte de fées de Grimm. Des personnages en céramique, souvent des adolescents aux traits exagérés, se transforment en états plus étranges - comme Wooden Girl, piégée à l'intérieur d'une souche d'arbre, avec des mains en brindilles ; ou un garçon en tenue de rue avec une tête de cheval.
L'œuvre a été inspirée par la vue derrière sa maison près de Stockholm : "C'est une forêt pleine de mes sculptures abandonnées", a déclaré l'artiste à BBC Culture. "Avec le temps, ils changent, disparaissent et semblent repousser. Je trouve que c'est une bonne métaphore de la vie."
Kristalova a grandi dans une partie isolée de la Suède, "avec un sentiment d'inquiétude qui s'est intensifié lorsque ma mère m'a lu des contes folkloriques effrayants", dit-elle. Ses parents artistes ont gardé de nombreux livres sur le surréalisme, qu'elle a dévorés, et qui « m'ont pris la colonne vertébrale », dit-elle. "J'aimais Max Ernst, et j'aimais particulièrement Meret Oppenheim. Je trouvais son travail un peu idiot et ludique, mais c'était presque sur la vie des femmes."
Oppenheim est souvent considérée comme la surréaliste féminine la plus célèbre. À la fin des années 1930, elle a conçu Traccia, une table d'appoint fantaisiste assise sur des pattes d'oiseaux. Quelques années auparavant, en 1936, alors qu'elle avait 22 ans, elle avait fabriqué un bracelet à partir d'un tube de laiton, et l'avait recouvert de fourrure.
C'était pour Schiaparelli, mais elle l'a porté pour rencontrer Pablo Picasso et Dora Maar dans un café à Paris. Les commentaires de ses amis en le voyant - que tout pouvait être recouvert de fourrure - ont inspiré Object, sa tasse et sa soucoupe recouvertes de fourrure de gazelle qui, selon le MoMA , est "l'objet surréaliste le plus notoire".
Aujourd'hui, alors que nous connaissons si bien la tasse et la soucoupe en fourrure d'Oppenheim, il est difficile d'imaginer le choc et l'intrigue qu'elle a provoqués à l'époque. La question se pose : l'art d'inspiration surréaliste, qui s'appuyait sur son pouvoir de déranger, peut-il encore avoir valeur de choc ?
"Cela faisait partie de ma peur, et nous y avons beaucoup réfléchi", a déclaré Johnson à propos de la compilation Objects of Desire. "Il y a un risque [en affichant ces objets] de créer une" nouvelle norme "." Pour invoquer la surprise - un sentiment de "voir avec de nouveaux yeux" - ils ont travaillé dur sur la relation entre les objets exposés, comme en plaçant Arrivo del trasloco de Chirico (vers 1965) à côté d'une œuvre d'art contemporaine d'Alicja Kwade : "Ils offrent tous deux des épingles -
Des représentations nettes et convaincantes de la réalité... Mais quand on les regarde à nouveau, on les voit sous un jour différent... Elles peuvent sembler instables, plus fantastiques qu'on ne le pensait au départ. Des juxtapositions surprenantes, c'est quelque chose que les surréalistes ont essayé de créer", dit-elle, rappelant leur " assemblages" - idées suscitées lors de l'assemblage d'éléments autrement sans rapport,
"La réponse est que nous ne devrions pas voir le design isolément - tout comme ces designers ou artistes n'opéraient pas dans le vide", déclare Johnson. "Vues dans ce contexte, certaines de ces premières œuvres sont encore plus choquantes aujourd'hui qu'elles ne l'étaient à leur époque."
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